“The only Bush I trust is my own” es un juego de palabras que reduce la convicción crédula a uno mismo. Para escándalo de los hombres, además incide en que ese “uno mismo” es puramente gonadal. La mujer ya no quiere muletas masculinas para moverse en el mundo: quiere apoyarse en su propio arbusto. Nos espera una nueva forma de pensamiento: el que está trayendo la mujer, el de su hecho diferencial. Ya era hora.

Ainize Txopitea

"¿El futuro de la poesía pasa por internet?"

Ainize Txopitea nace en San Sebastián en 1977 y reside actualmente en Londres, donde se gradua en Arte Digital en la Universidad ‘London College of Printing’. Su faceta creativa se bifurca hacia el universo de las páginas web, ejerciendo como diseñadora de portafolios online para artistas. Las piezas Net Art de su creación han sido mostradas en galerías y museos internacionales. La obra que Ainize presenta consiste en proyectos que usan la tecnología de Internet como instrumento y medio de arte. Un ejemplo de ‘Tecnología Digital como medio Comunicativo/Creativo’ es el artefacto de poesía experimental; www.Cyberpoetry.net donde muestra su labor como poeta visual.

La voluntad de Ainize Txopitea -ciberpoetisa y diseñadora gráfica y la más joven
de las participantes- de ironizar en torno a unos roles femeninos que da ya por superados, contrasta con su propia argumentación de que siguen siendo patrones reconocibles que los mercados y el consumo tratan de instrumentalizar. Aunque ésa no sea la base de su discurso, mucho más
centrado en lo límites del deseo femenino –a los que da la vuelta partiendo de
patrones clásicos de sumisión que subvierte con eficacia-, ella misma subraya la dificultad de interiorizar una vuelta atrás moral. Su mirada persigue un futuro
donde los patrones o las claves de interpretación no partan de elementos
preconcebidos. Por eso mismo los utiliza para reventarlos en una segunda
lectura mucho más aguda y desmitificadora. De hecho, su cartelería poética se
inspira en Joan Brossa o en el activismo antinazi de Hearthfield o Renau en un
juego de doble vínculo donde el collage desvía el discurso político hacia una
poética del “yo, mujer” descarnada, mucho más interesante en términos
absolutos.

Ione Saizar

"La fotografía sin disculpas"

Ione Saizar nace en Euskadi en 1965. Tras gaduarse en fotografía en London
College of Printing fue becada por el centro cultural Koldo Mitxelena completando un Master en Imagen y Comunicación en Goldsmiths College. Es colaboradora en publicaciones como; El Pais, El Mundo, Elle, Vogue, Vanidad, AlterEgo, NME, Eseté y The Face entre otros. Su colección de instantáneas ha recorrido galerías de diferentes países como España, Inglaterra o Alemania, reflejando desde lo más vanguardista de la cultura nipona hasta la cuestionable presentación del posado femenino en espacios masculinos: Garage glamour bodies of desire
(Oxo Tower, London). Esto le ha llevado a ser considerada como a una de las fotógrafas más viscerales del panorama actual, dado el acercamiento que la autora propone en cada una de sus fotos.

Ione Saizar utiliza el grito silencioso, congelado en la instantánea, para hablar
de la incapacidad, pero también de la inquebrantabilidad, de una posición
personal. Establece las pautas para una lucha soterrada individual que ningún
Estado podrá nunca dominar ni doblegar, aunque pueda relativizarla o tratar de
silenciarla. Su discurso, que huye de catalogaciones feministas per se, sí
cuestiona, desde la ironía también, los modelos femeninos creados por el
hombre. Este grito que propone, en el que sólo retrata a mujeres, parece aludir,
ridiculizándolas, a las visiones tradicionales de la histeria dadas por la
psicología clásica. Ese “furor uterino” de una enfermedad catalogada por Freud
como netamente femenina se reconvierte en una invitación evidente (las
retratadas han sido abordadas en la calle, o citadas en un paraje, para que
escenifiquen un grito de desahogo no correlativo a su actividad o su estado
emocional en el momento del abordaje) a burlar las convenciones sociales o
emotivas. Un discurso extrapolable a cualquier género que, sin embargo, al
centrarse en la mujer, adquiere una dimensión distinta, como si presenciáramos una doble liberación: personal sí, pero también histórica.

Tina Escaja

"Códigos sin barras: la poesía como encuentro y desgarro"

Tina Escaja nació en Zamora (España) en 1965 y reside en EEUU donde ejerce el profesorado de españolen la Universidad de Vermont. Es autora y editora de libros y artículos sobre poesía ibero-americana contemporánea. Como creadora ha obtenido enl II Premio Hispanoamericano "Dulce María Loynaz" de Poesía (2003), quedando su relato “Bola Luna” finalista en el VII Premio Internacional “Ana Maria Matute” de Narrativa de Mujeres (1994). Sus trabajos visuales incluyen la serie hipertextual VeloCity así como fructíferas colaboraciones con artistas de distintos medios con los cuales la poesía y el arte logran el objetivo último de encuentro y desgarro, de rebelión y revelación, que la autora suscribe.”

Tina Escaja, también poeta, parte de su propia biografía. Ella es una emigrante,
un producto de una sociedad concreta –un país bajo una dictadura que ella vivió
durante su infancia y pre-adolescencia- trasladado a otra que está viviendo un
proceso inverso en libertades civiles. De ahí que su poema “Una, grande y libre”
asocie la proclama franquista a la realidad neo-imperialista de su país de
acogida. Sus poemas, en una línea de expurgación de lo sobrante ligada a una
nueva visión ultraísta, llaman al asociacionismo y a la lucha, al igual que critican
la “unidad” en la línea en que lo hacen hoy filósofos como Vattimo. Un discurso
que la artista ve necesario cuando la voluntad individual es quebrantada por la
acción reduccionista de los gobiernos contra la sociedad civil, masa a la que se
trata de desestructurar y enfrentar para alienar su capacidad de respuesta
conjunta. Su llamada a la dignidad y la cordura a través de las múltiples voces
sin rostro que entonan sus versos supera lo que tiene en sí de pirueta técnica o
estética para establecer relaciones de extraña correspondencia entre
individualismo y colectividad.

MJ Tobal

El Arte como ejercicio de libertad

MJ Tobal, 1959 Zamora. Estudió en las escuelas de Artes Aplicadas de Zamora y Salamanca, se graduó en la especialidad de Dibujo Publicitario. Trabaja diferentes disciplinas, dibujo, pintura, escultura, fotografía digital, vídeo y ordenador. Desde 1988 viene mostrando sus pinturas en exposiciones individuales y colectivas, ha diseñado catálogos, portadas de libros, dvd y carteles. Ha ilustrado cuentos para adultos y libros de poemas infantiles. Es coautora también de numerosos montajes, escultóricos (diseñados y realizados con el escultor Aquilino Ramos). De su vinculación con el artista fluxus Wolf Vostell aprendió a eliminar barreras entre el arte y la vida y expresarse
mediante videoacciones, happenings y performance.

La colaboración entre Tina Escaja y MJ Tobal ha dado sus frutos en el Fluxus
“Código de barras”. El discurso de liberación femenina se presenta aquí de
forma clásica, e incluso directamente dirigida contra el hombre, no tanto
ausente como reducido a un reconocible símbolo: la barra enhiesta, el cetro de
mando. Pero su solución final (la desnudez frente a la coacción, la libertad
frente a la restricción) y la forma en que expresa cómo la esencia de lo femenino
es capaz de deglutir cualquier ofensa o cualquier limitación parece tratar de
abrir nuevos frentes de diálogo. La visión pictórica de las Tres Gracias que
ofrece Tobal, presentándolas como figuras similares a células, neuronas u
organismos vivos primigenios con diferentes grados de vinculación sináptica o
nodular, incorpora un revulsivo y nada complaciente mensaje biológico en la
antítesis de la representación estereotipada de la musa femenina como un
“objeto cautivo” a la voluntad del deseo masculino.